ALGUNOS CHICOS MALOS EN EL CINE. (1970-1995). 1º Parte.

Esta es una transcripciòn-homenaje a la revista de Cine "El Cinèfilo", dirigida por el critico de cine Eduardo Gutièrrez Salcedo, y proviene del Nº 16 - set . 1995 . Es un fragmento del artìculo especial " 100 Chicos Malos... Y algunas chicas malas tambièn. (1970- 1995) " , producto de una encuesta realizada entre los redactores de està publicaciòn sobre personajes considerados como Malvados, perversos ,bizarros, anormales , vistos en el Cine . El motivo del lenguaje empleado en ese momento fue el de : Bromear, burlarse , hacer "Joda" , a estos "especiales" seres que nos fascinaban y removian las entrañas. Por lo que les sugiero a los lectores que no se lo tomen a pecho y en su defecto eviten leerlos.

1ºLugar: El Dr. Hannibal "Canìbal" Lecter (Anthony Hopkins en "El Silencio de los Inocentes"-1991,de Jonathan Demme). 10 votos."

Maniàtico carcomido por su locura, capaz de elucubrar aberrantes fantasias. Animal inmundo, preso de sucias y distorsionadas convicciones. Autèntico chacal de la mente y de la carne. Como un digno enajenado de espìritu , se convierte en un salvaje asesino que goza jugando a la muerte y disfrutando con sus macabros artilugios. Sòrdida y criminal figura, encumbrada en el altar de la perversiòn màs sublime y sangrienta, pero sobre todo perpetuado a la repugnante categorìa de canìbal. (Josè Luis Ricse).

2º Lugar: El mùsico Salieri (F. Murray Abraham en "Amadeus"-1984, de Milos Forman). 06 Votos.

Fijo que de chiquito no lo dejaron ir a clases de mùsica que tanto pedìa y que su viejo lo tuvo metido en Karate y Box para ver si se dejaba de mariconadas. Alguna asociaciòn de ideas le llevò a pensar en Mozart como punching-bag y le hizo una chanchada tras otra. (Luis Casuso).

Foto izq: Antonio Salieri "El Malvado".

3ºLugar: El Sargento Barnes (Tom Berenger en "Pelotòn"-1986, de Oliver Stone). Empatan con 05 Votos:
".... No tengo nada contra un hombre que obedece. Pero cuando no lo hace la màquina falla y cuando la màquina falla nosotros morimos", recita el recio actor en su interpretaciòn del caricortado Sargento. Un verdadero criminal en plena guerra de Vietnam. Pèrfido e inescrupuloso; duro e inmoral, arquetipo de la violencia institucionalizada. Hijo del napalm; creyente de la patada al culo y del cachazo en el rostro del enemigo. Sobre èl , un personaje de la pelìcula dice: "..... Barnes no va a morir. El ùnico que puede matar a Barnes es Barnes". (Oscar Contreras).

- Batty (Rutger Hauer en "Blade Runner" - 1982,de Ridley Scott).

El lìder de los replicantes es un ciberpunk sàdico y masoco que no duda en aplastarle los ojos - y de paso el cràneo - a su faruco creador capitalista, en rebelarse frente a la explotaciòn de los humanos y en meterse un clavo en la mano para probar su resistencia cual apocalìptica Santa Rosa de Lima, pero que muestra que en el fondo es bueno al perdonarle la vida a Deckard (Harrison Ford) que pasa la pelìcula con una cara de carnero degollado. (Sergio Burnstein).

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...Continuàra.

SEXO, MENTIRAS Y VIDEO, (1989), de Steven Soderbergh.

Con estudios y mucha pràctica al laborar para amigos y extraños, Steven Soderbergh realizò en 1989 "Sexo , Mentiras y Video",hacièndose conocido con la Palma de Oro que la cinta ganò en el Festival de Cannes . La posterior nominaciòn del film al Oscar como Mejor Pelìcula , afianzò su popularidad. Pero Soderbergh , segùn parece , no se dejaba seducir fàcilmente por el sistema: En 1991 filma lejos de Hollywood (en Praga, Checoslovaquia) : "Kafka"en blanco y negro y protagonizada por Jeremy Irons. En 1993 acomete "El Rey de la Montaña" , que cuenta las vicisitudes de un niño en la època de la depresiòn econòmica norteamericana (en los años 30) que lucha por no ser desalojado del hotel donve vivìa solò ya que su familia salia a buscar trabajo.

El guiòn de "Sexo..." le pertenece y segùn contò escribiò el primer bosquejo en un viaje por carretera desde Baton Rouge, su ciudad natal, hasta los Angeles. Soderbergh no oculta su identificaciòn emocional al decir, en una entrevista concedida a American Film: " ... Esta pelìcula fue una especie de acto de contricciòn por una relaciòn en la que me conduje miserablemente, estaba mintiendo, manipulaba en muchos modos, era igual a John (el abogado del film)y finalmente decidì que sì no paraba y trataba de corregir mi vida, estaba camino a convertirme en un mentiroso patològico".

John (Peter Gallagher) viendo en Tv a su mujer.

El tema del rompimiento matrimonial no es nuevo, probablemente el cine europeo sea el que mejor lo represente . En "Sexo..." , Soderbergh demuestra una buena asimilaciòn de la escuela europea que se distingue por plantear historias intimistas, lejos de la espectacularidad yanqui. Aunque renuncia a efectismos para atrapar al espectador , la pelìcula no aburre por una hàbil ubicaciòn de hechos que poco a poco nos van inmiscuyendo en ese declive de la pareja yuppie. Ellos no solamente mienten sino que entran en un juego de sustituciones. Ann (Andie MacDowell) sustituye el coito marital , del que està frustrada, por una entrega a la limpieza hogareña de forma obsesiva y ansiosa, y precisamente es este trabajo el que inicia su liberaciòn.

Ann (Andie Mac Dowell)

John (Peter Gallagher) su esposo, al no poseerla, se acuesta con su cuñada Cinthia (Laura San Giacomo), la cual parece redescubrirse despuès de masturbarse frente a la càmara de video y revolcarse intensamente con èl, Graham (James Spader) es un mentiroso e impotente confeso que paga su "pecado" dejando la còpula por la grabaciòn de mujeres que hablan de su sexualidad. Segùn la cinta el romanticismo ha muerto y el amor ya no sirve para hacer màs llevadera la vida, sino que la complica, desmoronàndose la instituciòn familiar y abrièndose paso la necesidad vaginal , la que , llegado el momento, no complementa del todo las expectativas. La doble moral que en apariencia se denuncia, no es nueva hoy en dìa, pero si es poco comùn la manera de narrar en un cineasta de los 80 (etapa reaganiana y videoclipera) , el andar de Soderbergh es pausado y reflexivo, se toma su tiempo, y no se excede.

Graham (James Spader)

Otro punto alto es el valor introspectivo de la historia. Como si el lente de la càmara fuera un microscopio, observamos al cuarteto en toda su dimensiòn: Sus movimientos, idas ,venidas, apareamientos, deslices, y pormenores de una vida frustrante y para nada deseable. Existe una distancia entre el espectador y lo que vè, porque los personajes son decadentes y la clase media, sector al cual se dirige , es un estrato deprimido y obviamente no busca verse reflejado. Para Soderbergh la mujer debe ser fuerte pero sin ingenuidad, por esa razòn ubica los extremos: Ann y Cinthia son como agua y aceite. La primera, a pesar del engaño , es noble. En cambio la segunda es liberal, arriesgada y no se hace "paltas" pues como viuda negra deshecha al macho y admite saber manejar a los hombres que visitan su bar.

John y Ann, el matrimonio fracasado.

La energìa que le pone Andie Mac Dowell a los pocos momentos de furia que tiene, es superior a la de John , en apariencia un profesional con futuro social, pero en el fondo un caradura que apuesta a perdedor. El catalizador del grupo , Graham , no es ni lo uno ni lo otro, su personaje es màs oscuro y su actitud calmada, es mostrada con planos largos que transmiten la sequedad, muy real por cierto , de un tipo que a nivel psicològico es autoconflictivo y al mismo tiempo irreverente pues choca con el pùblico pacato que ve declaraciones de mujeres frigìdas e insatisfechas. Por este trabajo realizado , Steven Soderbergh se planto en su momento como un terco independiente, màs adelante trabajando dentro del sistema hollywoodense demostrò que tambièn se pueden hacer obras estimables .

LA ESTRATEGIA DEL CARACOL, (1993), de Sergio Cabrera.

El Director Sergio Cabrera.

Sergio Cabrera es un caso aparte en el medio cinematogràfico hispano. En su juventud (hoy debe tener poco màs de 60 años) fue militante comunista en China y Colombia: "Durè 4 años en el monte y sentì que me habìa subido al bus equivocado", dijo en una entrevista : "Tenìa fama de criticòn y nunca estuve de acuerdo con el culto a la personalidad" . Decepcionado , se retira y estudia cine en el extranjero, regresa a Colombia para laborar en distintas àreas del medio audiovisual. Llega a destacar dirigiendo telenovelas , algunas de ellas galardonadas como "Escalon a", interpretada por el cantante de vallenatos : Carlos Vives.El trabajo televisivo le dà mayor seguridad y aplomo para producir su primer largometraje: "Tècnicas de Duelo"(1988), y en 1993: La estrategia del caracol, del duo èsta obtiene màs de 30 lauros en competencias de cine convirtièndose en un hito sin precedentes.

La actriz Florina Lemaitre (El travesti Gabriel)

Cabrera , con amplia experiencia en el formato chico, traslada a la pantalla grande uno de los gèneros màs populares y mejor afianzados del medio audiovisual latinoamericano a nivel mundial: La telenovela. Si desglosamos el material tendremos una mezcla de melodrama social y costumbrista , puès descubre y reafirma la inexistencia de la brecha social entre desposeìdos y ricos y utilizando la intriga, el suspenso, la conmiseraciòn y la comedia subvierte una de las columnas vertebrales de la sociedad: El poder judicial. Para ello maneja dos tiempos, el presente y el pasado; el primero corresponde al tiempo "Real" cuando Justo (El actor Saìn Castro) cuenta en un dìa y una noche por televisiòn como vencieron al propietario de la casona. El segundo y el màs desarrollado se refiere a la vida de sus amigos que fraguan "La estrategia del Caracol" para evitar el desalojo: Permanecer en el inmueble y posteriormente escapar.

Los inquilinos amotinados.

Por el hecho de desplegar mucha habilidad en la historia, debido a lo imprevisible y fantàstico de la misma, èsta se emparenta con el realismo-maravilloso de su paisano y chochera: Gabriel Garcìa Màrquez. Sobre la telenovela , hoy en dìa una veta riquìsima , se ha escrito mucho, el catedràtico e investigador German Rey dijo al respecto: "En el melodrama hay un ludismo devastador que cumple el papel de sala de espejos" - los cuales literalmente aparecen en la pelìcula y cobran mucha importancia- en que podemos reconocernos a travès de multiples aristas e inclusive definitivas distorciones". La aceptaciòn que tuvo en su tierra natal (poco màs de 01 millòn de espectadores) es pràcticamente igual al rating de 80 puntos que alcanzan las telenovelas en su paìs.

Una de las inquilinas intrigantes.

Pero volvamos a lo que nos interesa: La cinefilia de Cabrera y su preferencia inconciente por el western - aludida tambièn por Jorge Ali Triana en "Tiempo de Morir" (1985), - se vislumbra en 4 personajes "tipo" de este gènero: El abogado defensor (Frank Ramìrez), a no dudar, es el sheriff que lucha representando a los inquilinos. La prostituta de buen corazòn(Florinda Lemaitre), aquì el travesti -gay Gabriel, que busca la redenciòn y acepta entregarse al enemigo para ayudar a sus compañeros. Momento aparte: Como homenaje al irreverente Luis Buñuel, el encuentro eròtico con el cura (Gustavo Angarita), es de antologìa. El, confundiendo al travesti con una mujer , la acaricia, y ella le dice: "Padre, soy una pecadora" y segundos antes de tocarle el pene el responde: "No te preocupes , yo perdono los pecados". Risas en la platea.

Don Jacinto, ( el de barba) es el lider del grupo.

El dueño (Hacendado) que es la verdadera vìctima porque le arrebatan el derecho de disponer de lo que le pertenece quiere deshacerse de este grupo de colonos que ocupan su territorio utilizando a sus matones-vaqueros para expulsarlos. Si en los años 60 y 70 hubo pelìculas con tinte de panfleto zurdo como "Zeta" de Costa Gavras ò "Victoria de un Pueblo" del grupo boliviano Ukamau que postulaban el "rollo" de la libertad por medio de un alzamiento armado y popular, esta cinta muy bien podrìa ser la bandera de la Federaciòn Internacional de Arrendatarios Sudacas. Seamos serios, sin descuidar el lado actual , la escena de la brutal golpiza al abogado recuerda las venganzas del Narco-cartel de Calì-Colombia.

Inquilino enfrentando a la Policìa.

Y por ùltimo Don Jacinto, el lìder del grupo (Fausto Cabrera, el padre y alter-ego del director), ajusta cuentas con la izquierda cuando a la mierda al socialista y asume su papel de anarquista y pistolero viejo retirado, con energìa , dando al estilo de "Los imperdonables" su aliento final de vida al enfrentarse y recuperar su autoestima y los ideales de un pensamiento en vìas de extinciòn. Clint Eastwood (Uno de los màximos actores-directores del Western) y Corìn Tellado (Reina indiscutible de las Telenovelas) pueden sentirse orgullosos y morir tranquilos pues Sergio, su mejor hijo putativo , ha logrado algo magnìfico: Que su arte y trabajo trasciendan.

LA VIDA SIN ZOE, (1989) de Francis Ford Coppola, episodio de Historias de Nueva York.

Francis Ford Coppola dirigiendo.

Cuando le preguntaron a Coppola, por què realizò una historia tan sencilla y rompiò con el motivo de interès, es decir, el conflicto, èste respondiò: "Simplemente quise demostrar que lo podìa hacer". Esto es cierto , pero lo importante no es su sobrada actitud sino còmo lo hizo. A pesar de carecer de la ostentaciòn , que sì observo en "Apuntes al natural" de Martin Scorsese, la pelìcula no es mala, solamente es diferente y marca un descanso en el realizador.

Recordemos que su film anterior, "Tucker, el hombre y su sueño" cinta de gran presupuesto, fracasò en la taquilla . Lògico era, pues producir y avocarse a algo menos conflictivo y elaborado. De estructura clàsica , la pelìcula es eficaz en su tratamiento visual. Por ejemplo, en el uso de los ambientes internos y externos y en la funcionalidad de los diàlogos, siendo el momento màs ìntimo cuando en el parque Zoe congenia y anima a Abu , el niño rico que no tiene amigos.

En cambio, el movimiento de la càmara , tan caracterìstico en su cine, està atado, sòlo se libera en el asalto y el encuadre se inclina, para no provocar la identificaciòn el lente no ocupa el punto de vista de ningùn personaje, lo vemos todo como en un teatro, la violencia se asemeja màs a un cosquilleo que a una golpiza. De lo narrativo , lo màs destacable es un elemento emblemàtico que se repite en otras de sus pelìculas, hablo de la ausencia , el rechazo y el deseo de protecciòn de la figura paterna. Es un sentimiento inconsciente visto en la bùsqueda de Martin Sheen en "Apocalipsis Ya"(1979). El padre y la unidad familiar es parte importante en la tradiciòn de los italo-norteamericanos. Zoe recuerda a su progenitor rodeado de un halo que resalta su presencia y cuando llega, su apariciòn es repentina pero esperada. Se muestra calido y dispuesto a reestablecer el orden hogareño y por tanto el equilibrio matrimonial. La reuniòn final teniendo como fondo el Partenòn y las vivas al padre por su interpretaciòn son el colofòn de esta anècdota, pero no historia , que el maestro nos cuenta sin dejar del todo ese estilo que lo ha hecho famoso.

CIELO AZUL; (1994),de Tony Richardson. 2º Parte.

La vida de la actriz Francis Farmer es un ejemplo. Interpretaciòn que Jessica Lange ( foto izq.) hiciera años atràs y que se emparenta en algo con Carly: Las dos son indòmitas y proclives a salir de lo comùn, situaciòn que no sucede con sus vecinas, tìpicas amas de casa cuya vida transcurre viendo tv, reunièndose para el chisme y tolerando los "cuernos" del marido. Se entiende entonces que la situaciòn de la mujer es conservadora , rutinaria y masoquista.

El matrimonio se vuelve anquilosado y sòlo se "renueva" y sale de su ostracismo por medio de la aventura amorosa o,para ser màs exacto: coital. Y aunque la intenciòn no sea puntualizarlo, el machismo se percibe latente, como signo de la descomposiciòn familiar. Para el director estas escenas son suficientes para realizar una buena radiografìa de una vida decadente, la cual no alcanza al hijo de Vera, que simboliza en imagen al chico normal, sano y bienintencionado.

Una lìnea narrativa secundaria un tanto desperdiciada es la de las hijas de Carly. Es el caso de Alex, la mayor, que muestra signos de interès sexual : habla del sexo opuesto , besa a un muchacho (Chris O`Donnell) y acepta ir con èl a un cuartucho abandonado con una cama lista y esperando. En lìneas generales no es rebelde pero sì reclama cuando no le salen las cosas. La etapa que ella vive (los años 60), estaba convulsionada por las drogas y la guerra, guerra de la que ella no opina pero que siente en carne propia. La lucha es interna y se entabla en una de las instituciones màs temidas e intocables: La castrense, entidad que Richardson rechazaba abiertamente en sus films precedentes.

Lamentablemente en estos tiempos la propuesta resulta trillada, asì como forzada la repentina lucidez de Carly para boicotear el experimento atòmico. El final abierto, en el que la protagonista imita a Liz Taylor en "La gata sobre el tejado caliente" ,es un guiño complaciente e irònico que el director propone para simpatizar con el espectador. Ojalà lo haya conseguido.

Tony Richardson ,tràs la càmara dirigiendo.

Nota: Las fotos han sido tomadas de Imdb.com - Senseofcinema.com - Alohacriticon.com - Scalisto.blogspot.com - Bittenandbound.com - Rebeldemule.org .

CIELO AZUL; (1994), de Tony Richardson.

UNA MUJER FRUSTRADA:

La pelìcula comienza con una acercamiento al mundo de la protagonista: Portadas e interiores de revista de espectàculos, fotos de Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, que son las personalidades que ella asumirà pero que al mismo tiempo seràn la causa de su neurosis. Su vida transcurre entonces entre 2 polos o extremos: Sueños de grandeza y la incomprensiòn y/o utilizaciòn de los demàs, representados por los militares, grupo al cual pertenece su marido (Tommy Lee Jones), quien al principio se muestra tolerante y de cierta forma còmplice de su mujer al cubrir su conducta licenciosa (el topless en la playa por ejemplo).

A partir de esta secuencia (que se entrelaza con la visiòn turbia de hombres buscando rastros de radiaciòn )comienzan los conflictos. Parece que el director Tony Richardson ha intentado un paralelo entre una mujer frustrada y una crìtica a la polìtica de armas nucleares de los Estados Unidos. Carly Marshall (Jessica Lange) , no provoca làstima, sino deseo. Basta una mirada, un gesto, un caminar al estilo Marilyn Monroe para recordar algunas escenas de una cinta a la que se hacer referencia : Me refiero a " Niagara" de Henry Hathaway. Mientras la "bomba rubia" aparecìa en una estaciòn de bus con un vestido muy ceñido y era mirada por un grupo de marineros.

Carly lleva casi el mismo modelo, pero en èl aeropuerto, feliz de que le silben los soldados. Cuando Marilyn entra al salòn de baile toda de rojo encendido y provocando se echa en la escalera para cantar, su imitadora, tambièn de rojo, baila mareada en el show danzant y permite ser manoseada . Los momentos en que toma un velo para jugar con èl y sostenerlo frente a su pecho son tomados de las fotos que Marilyn hizo para la revista de desnudos Playboy. El marido de Carly en cambio si da pena. Es solidario, esforzado por unir a la familia, con tendencia ecologistas y resulta agredido al defender sus ideas. Es un personaje opuesto al de "Entre el cielo y la tierra" (1993) de Oliver Stone. Tommy Lee Jones demuestra seguridad en su actuaciòn. En este sentido podrìa asegurarse que el melodrama està asegurado .Su fòrmula : Familia de clase media vs amenaza represiva, es efectiva , pero no del todo creìble, porque se siente que no llega a cuajar totalmente ya que el "Oponente"(el ejèrcito) no està matizado con otras caracterìsticas. Los militares sòlo se preocupan por realizar la prueba nuclear "Cielo Azul",no hay lugar para la piedad y el sentimiento.La confabulaciòn, aunque se circunscribe en el gènero, resulta obvia y previsible.

Gente màs conocedora del trabajo anterior del director ha afirmado que la puesta en escena es correcta. Es cierto, y esto es por la carrera teatral ejercida por Richardson antes de dedicarse al cine; de ellos se deriva el emplazamiento mayoritario de las situaciones en interiores , en busca del intimismo y el acercamiento a los problemas de los personajes. Precisamente , la secuencia de la primera explosiòn de furia de Carly demuestra un buen manejo de los espacios y del desplazamiento.

T.Richardson , su esposa Vanessa Redgrave con su niña Natasha.

Pero volviendo a la relaciòn de los protagonistas , no se ha pretendido apelar al famoso "Amor Loco" o la "Pareja maldita" , como sì ocurriò , guardando las distancias del caso , con el film francès "Betty Blue"(1988), de J.J.Beineix, donde la pasiòn de la mujer rayaba con la locura e iba màs allà de los lìmites del encuadre. En "Cielo Azul" ese volcàn eròtico de la alienada Carly no desborda la pantalla , se muestra en conjunto mesurado, contenido, domèstico. En ningùn momento se detallan las causas de su comportamiento ; probablemente al director no le interesaba hacerlo . Su vocaciòn frustrada es tratada a nivel superficial; lo que es destacable es la semejanza con personajes femeninos de otras pelìculas, que arremeten contra la masa que no entiende por hipocresìa y doble moral lo que ellos consideran "Anormal" y por lo tanto digno de castigo.

.....Continuàra.

LOLITA, (1962), de Stanley Kubrick.

El mayor problema de Kubrick en la etapa de pre-producciòn de "Lolita" - adaptaciòn cinematogràfica de la novela homònima de Vladimir Nabokov - fue la elecciòn de la protagonista. Ante las dificultades para encontrar una con la edad requerida por el guiòn (12 ò 13 años) , el realizador eligiò a Sue Lyon, de 14 años, y dejò a la imaginaciòn de los espectadores el decidir què edad tenìa en la pantalla. Asì naciò la "Lolita Cinematogràfica" por antonomasia.

Muy hàbil y conociendo la fama de la novela , Kubrick deja el aura provocadora , violenta y explìcita de su trabajo anterior para asumir la historia de manera màs sencilla, dejando paso a la sugerencia y a la frase que incite al pùblico a pensar, pero no a ver, la relaciòn cu a si incestuosa entre Sue L yon (Lolita) y James Mason (Humbert). Lo abiertamente eròtico ha sido entonces velado y son pocas las circunstancias en las que se da paso a lo explìcito.

Sue Lyon (Lolita)

Los personajes intercambian roles y asumen otras actitudes para lograr sus ansias de posesiòn. Lolita, al no poder controlar a su madre con la que rivaliza, manipula a Humbert al vivir con èl. Este, divorciado y sin ganas de volver a casarse, lo hace con su vulgar casera (una estupenda Shelley Winters) para tener cerca a su hija. Lo irònico del caso es que padrastro e hijastra viven sus funciones de forma espontànea y natural, establecièndose con el tiempo la dependencia dominado-dominador.La vida de ambos , sobre todo la de Humbert tras practicamente huìr se vuelve claustròfobica , hermitaña, celosa, suspicaz y masoquista . Teme el castigo y que lo descubran por el pecado cometido. Su conducta tìmida, retraìda y aparentemente con poca experiencia sexual lo conducen a la autodestrucciòn.

Enfrentados: Peter Sellers (Izq.) - James Mason (Derecha).

En otras palabras es un antihèroe que vive una crisis emocional y lo ùnico que le anima es esa obsesiòn por la chiquilla. La decadencia de este profesor cuarentòn de francès, en vez de acercar al pùblico lo distancia, lo aparta, porque se vuelve mediocre y tiende a humillarse. Pero lo interesante del asunto es que da cierta envidia morbosa por poseer lo prohibido: Una adolescente rubia y bonita. No olvidemos ademàs que la historia se produjo en Inglaterra, paìs que acogiò al movimiento cinematogràfico llamado : Free-cinema, en una època en la que Lolita caìa como anillo al dedo por caracterizar a una juventud que estaba harta del principio de autoridad y el respeto a los mayores , exponiendo el desequilibrio de la misma y la tremenda hipocrecìa adulta, a travès del rechazo de la tradicional monarquìa inglesa. Sin ser de derecha ni izquierda, Lolita sòlo busca divertirse porque nadie le ofrece un futuro mejor , allì se halla precisamente el moralismo del que el director no pudo escapar.

Stanley Kubrick dirigiendo.

Kubrick no condena a sus personajes ; simplemente vemos, mediante una càmara generalmente quieta, el desarrollo de su descomposiciòn . Nos movemos en ese intimismo de engaños y apariencias. El argumento que comienza y termina con un crimen es circular y sòlo un eficiente uso del flashback (recuerdo) desde el càdaver nos explica los motivos de la muerte ¿Como evitarla si es Kubrick el autor?. A partir de ella asistimos a una efectiva progresiòn narrativa y a una correcta puesta en escena que destaca por la fotografìa en blanco y negro , que ha sido utilizada para enfatizar lo sòrdido del tema y en una clara referencia al cine negro norteamericano.